Выставка «Люди и Город»

«En la Pampa» (Розовая сумка), 2008 © Джорди Коломер

Род. в 1954 году в Карпи (Модена), Италия / Живет и работает в Карпи

Один из последних проектов художника, который он осуществлял в пустыне Атакама в Чили, – «En la Pampa» (2008) – знаменует собой новую и еще не завершенную стадию его творчества. Как и во всех работах Джорди Коломера, главным здесь является соединение скульптуры, архитектуры и театра. Коломер так объясняет основную концепцию проекта: «Можем ли мы населять пустыню? Можем ли мы населять выдуманное пространство? Пустыня стала огромной сценой, на которой предстали многочисленные образы». Фотографии с подзаголовком «Розовая сумка» относятся к видеопроекту, состоящему из пяти частей. Они показывают главные остановочные пункты на пути актеров, снятых в фильме. Розовая сумка служит своего рода сигналом, оповещающим об окончании путешествия: держа ее в руках, героиня смотрит на город Икике, раскинувшийся перед ней.

«Межконтинентальный I», 2010 © Йоринде Фойт

Род. в 1977 году во Франкфурте, Германия / Живет и работает в Берлине

Серия «Межконтинентальный» (2010) включает рисунки большого формата и этюды с вычерченными траекториями полетов. Художница представляет их как сложные карты воображаемого мира, схема которого основана на наложении и сопоставлении разнообразных параметров и фиксации позиций и перемещений. Характер композиций заставляет зрителя воспринимать их в высшей степени динамичной манере: взгляд скользит по линиям движения, а прямые и извилистые линии задают ритм, еще более подчеркивающийся использованием красной и голубой туши.

«Чего мы хотим_Сан-Паулу_R34-2006», 2010 © Франческо Йодиче

Род. в 1967 году в Неаполе, Италия / Живет и работает в Милане

Франческо Йодиче, получив университетский диплом архитектора, занялся фотографией в 1995 году. Он заинтересовался анализом новых соотношений и связей между социальным поведением горожан и городскими ландшафтами в разных географических контекстах.

«Чего мы хотим_Сан-Паулу_R34-2006» – это фотографический символ, заимствованный из видео «Сан-Паулу_Пересказывающие город», созданного Франческо Йодиче в 2006 году в бразильском метрополисе.

«Гроза», 2007 © Соня Браас

Род. в 1969 году в Каме, Германия / Живет и работает в Нью-Йорке, США

В работе 2007 года «Гроза» Соня Браас предлагает зрителю проникнуть в уникальное природное явление – яростную грозу, сквозь которую летит самолет. На первый взгляд, роль человека в воздействии на окружающую среду и покорение им природы подвергнуты сомнению – тема сама по себе вполне возможная. Однако фотохудожница не работает на открытом воздухе – она создает свою собственную природную среду. Самолет – только модель, надвигающаяся гроза – результат воздушных и световых условий, тщательно имитированных в студии. В своем ателье художница тщательно изготавливает крупноформатные модели, которые затем фотографирует. Работа под названием «Гроза» входит в серию «Покой разрушения». На других фотографиях серии – сметающие всё на своем пути торнадо, устрашающие снежные бураны и огненные потоки лавы; они воссозданы при помощи фольги и фонарей, расположенных под определенным углом, а также специальных дымогенераторов.

«Минато Мираи 21», 1997 © Вольфганг Тильманс

Род. в 1968 году в Ремшайде, Германия / Живет и работает в Лондоне, Великобритания, и в Берлине, Германия

Многочисленными кадрами фотосъемки, запечатлевшими исполнителей современных музыкальных ритмов и клубные сцены, Вольфганг Тильманс, лауреат премии Тёрнера, создал фотолетопись направления техно, да и всего поколения 1990-х годов. Его прямая и непосредственная манера, основанная на импровизации, была мгновенно оценена популярными lifestyle журналами, и изданиями, посвященными поп-культуре, – в работах Тильмана представало поколение молодых людей с их субкультурой. Кроме случайных, на первый взгляд, снимков, у него есть целый ряд тщательно подготовленных фотографий – портретов, натюрмортов, сельских и городских пейзажей и все чаще встречающихся абстрактных композиций. Его инсталляции, по большей части занимающие все пространство зала, представляют собой фотоколлажи, пренебрегающие какими-либо чертами визуальной иерархии.

«Особый взгляд_ШАНХАЙ 04», 2004 © Оливо Барбьери

Род. в 1954 году в Карпи (Модена), Италия / Живет и работает в Карпи

Занявшись фотографией, Барбьери поначалу расценивал ее в основном как инструмент социологического исследования. Лишь позже он начал уделять больше внимания искусственному освещению, увлекся съемкой ночных и архитектурных пейзажей.

В 1999 году характер фоторабот Барбьери радикально изменился – он обратился к технике Tilt-shift, концентрирующей внимание зрителя на небольшом центральном фрагменте изображения, в то время как остальная его часть намеренно остается нечеткой и размытой. К использованию этого новаторского приема Барбьери пришел после знакомства с восточной культурой.

Помещенная здесь фотография является частью большого незавершенного проекта под названием «Особый взгляд». Проект был начат в 2004 году и уже представил образы городов и метрополий мира: Рима, Турина, Монреаля, Лас-Вегаса, Лос-Анджелеса, Шанхая, Аммана, Нью-Йорка, Сан-Франциско, Бразилиа, Л’Аквилы, Флоренции, Катании, Рио-де-Жанейро.

Проект состоит из серии крупномасштабных фотографий, сделанных с вертолета, видеоматериалов и фильмов, снятых на пленку 35 мм. Снимки исполнены с применением техники смещенной перспективы (Tilt-shift), после чего их подвергли дополнительной обработке. В результате перед нами в виде миниатюрных макетов предстают совершенно новые образы хорошо известных мест.

«Милан в углу», 2010 © Давид Реймондо

Род. в 1972 году в Генуе, Италия / Живет и работает в Милане.

В работе, состоящей из двух панелей, скрепленных углом, – отсюда и название работы – «Milano nell’angolo» («Милан в углу») – художник представляет карту Милана, на которой главные магистрали обозначены более прожаренными квадратиками хлеба.

Среди наиболее значительных групповых выставок Реймондо следует упомянуть Каирскую биеннале 2003 года, участие в секции изобразительного искусства в рамках дополнительной программы на фестивале в Бате (Великобритания, 2004), в выставке скульптур на открытом воздухе «The Quenington Sculpture Show» в Глостере (Великобритания, 2005). В 2010 году работы Реймондо экспонировались в галерее Di Meo в Париже.

Без названия, 2009 © Флориан Майер-Айхен

Род. в 1973 году в Штутгарте, Германия / Живет и работает в Кёльне, Германия, и Лос-Анджелесе, США

Работы большого формата фотографа Флориана Майер-Айхена (так же, как Соня Браас, он живет и работает и в Америке и в Германии) являются попыткой исследования границ традиционной пейзажной фотографии. Их особенность – в характерной цветовой гамме и необычной перспективе, и потому выглядят они абстрактными или даже кубистическими. Он преображает пейзажную фотографию, создавая миры, в которых нет логики, но, тем не менее, они реальны и обнаруживают замечательное разнообразие отправных моментов. Вслед за радикальной объективностью – находкой Бернда и Хиллы Бехер – Майер-Айхен, как представитель нового поколения, также демонстрирует новые интерпретации мира. Его интересует не документальная сторона изображения, но манипуляции с реальностью. Ему удается очаровать зрителя использованием различной техники, с помощью которой он создает гармоничную, идеализированную цветовую гамму и перспективу. Это придает его крупноформатным фотографиям глубину и силу.

«Вид из Либхартшталя III», 1933-1934 © Оскар Кокошка

1886, Пёхларн, Австрия – 1980, Монтрё, Швейцария

«Вид из Либхартшталя III» был написан в начале 1930-х годов в доме, принадлежавшем семье Кокошки в Либхартштале, западном пригороде Вены. Оскар Кокошка, при финансовой поддержке своего галериста Пауля Кассирера, купил дом № 29 по Либхартштальштрассе еще в 1920 году. Новое жилище предназначалось родителям и брату художника, тогда как сам он жил в ту пору в Берлине и бывал здесь в 1920-е годы наездами. Он путешествовал по Европе и Северной Африке, жил в Париже, Дрездене, Берлине, Лондоне… В Вену Кокошка переехал осенью 1933 года и с тех пор часто бывал в доме матери, овдовевшей в 1923 году. Его визиты в Либхартшталь продолжались вплоть до ее смерти летом 1934 года. В этот период в своей студии на чердаке он написал несколько видов Либхартшталя. Картины, все одинакового размера, раскрывают его очень личное отношение к Вене. Художник сосредоточен на идиллической летней атмосфере сельского пригорода, пестрящего виноградниками, садами и рощами.

«Вид с Нойен Юнгфернштиг на озеро Альстер во время фейерверка в честь празднования дня рождения кайзера», 1911 © Ловис Коринт

1858, Тапиау, Восточная Пруссия – 1925, Зандвоорт, Нидерланды

Картина, написанная маслом, – «Вид с Нойен Юнгфернштиг на озеро Альстер во время фейерверка в честь празднования дня рождения кайзера», датируется 1911 годом; она является кульминацией слияния импрессионистских и экспрессионистских черт и знаменует переход художника к следующему, позднему этапу творчества, начавшемуся в 1912 году, после того как у него случился удар. В августе 1911 года, чтобы закончить портреты, заказанные ему Альфредом Лихтварком, директором Гамбургской художественной галереи, Коринт жил в Гамбурге, в отеле «Сансуси» на улице Нойен Юнгфернштиг, на набережной Альстера. Сидя на балконе своей комнаты, он мог наблюдать события, связанные с визитом в Гамбург, продолжавшимся несколько дней, кайзера Вильгельма I, в честь которого был устроен грандиозный фейерверк. Со своей точки обзора, сверху, Коринт изобразил на водной глади многочисленные быстрые парусники и лодки, что живо передало картину ночи, озаренной огнями фейерверка.

«Городской пейзаж с мостом», 1926 © Леонид Павлович Зусман

1906, Гродно, Россия – 1984, Москва, СССР

«Городской пейзаж с мостом» написан художником в Ленинграде, во время учебы в преобразованной во Вхутеин (Высший государственный художественно-технический институт) Академии художеств, где он работал в классе К. С. Петрова-Водкина. В этот период художник создает цикл ленинградских пейзажей, объединенных ощущением напряженного и драматичного городского пространства, пропитанного поэтикой Достоевского и Блока. В реальности Ленинграда середины 1920-х, каким его воспринимает двадцатилетний художник, присутствует действительность Петербурга из прочитанных книг, действительность текстов, сыгравших в становлении личности Зусмана значительную роль.

«Афины № 01», 2001 © Винченцо Кастелла

Род. в 1952 году в Неаполе, Италия / Живет и работает в Милане

Винченцо Кастелла, художник, предпочитающий работать с открытым пространством, индустриальным и городским ландшафтом, начал свой творческий путь в середине 1970-х, когда объездил почти весь мир. В его работах часто можно встретить трансформированную линию горизонта, архитектурные объекты, урбанистическую контаминацию. Произведения Кастелло фиксируют окружающую среду, частью которой мы сами являемся, хотя и не всегда осознаем это в полной мере. Кастелло предпочитает смотреть на свои объекты сверху, его взгляд остр и проницателен, потому что он хочет показать плюсы и минусы современных городов, добиться ощущения статичности и незыблемости архитектуры, уловить ее индивидуальные особенности и звучание и в то же время передать чувства отчужденности и беспокойства, которыми веет от городских пейзажей.

«Вид Амстердама № 7», 2000 © Винченцо Кастелла

Род. в 1952 году в Неаполе, Италия / Живет и работает в Милане

«Вид Амстердама № 7» и «Афины № 01» – оригинальные интерпретации образов европейских столиц, увиденных глазами художника, избегающего очевидного и традиционного и предпочитающего новый способ видения и толкования мира. Снимки сделаны с высоты, что подчеркивает впечатление «разрастания» городской ткани. Особенно это относится к фотографии Амстердама, довольно близкой к традиционному образу города, хотя и в этом случае, как и во всех своих работах, автор далек от стереотипа – обратите внимание хотя бы на то, что главная примета Амстердама – обилие воды – здесь отсутствует. Первый успех пришел к Кастелла в конце 70-х годов, после того как он сделал серию снимков, посвященных интерьерам итальянских домов. Его первая значительная персональная выставка прошла в 1981 году в галерее Civica в Модене. В 1998-м художник начал исследовать современные метрополисы, показывая их сверху и нарушая масштаб изображения огромными размерами своих фотографий. В 2009 году вместе с группой Multiplicity он представил проект под названием «Милан. Фрагменты городского Бессознательного», состоящий в одновременном показе изображений на шести экранах. Проект являлся частью выставки «Искусство без границ», которая проходила в Базеле. В 2011 году Кастелла участвовал в выставке «Una prospettiva italiana / AnItalian perspective. Ma lo sguardo vede?» («Итальянская перспектива. Доступна ли она взору?») в галерее Studio La Città Вероны

«Вид на запад. Нью-Йорк, улица Олд-Слип. 11 ноября, 1994», 1994 © Вера Луттер

Род. в 1960 в Кайзерслаутерне, Германия / Живет и работает в Нью-Йорке, США

Начиная с 1994 года фотограф Вера Луттер арендует в высотных зданиях на Манхэттене или в других районах Нью-Йорка квартиры, из окон которых открываются панорамные виды. Там Луттер затемняет окна, для чего использует черную фольгу с проделанными в ней дырочками с булавочную головку, через которые проникает свет, падающий на широкие листы фотобумаги, прикрепленные к противоположной от окна стене. Фотограф остается в комнате, пока не завершается весь процесс экспозиции в самодельной камере обскуре, улавливающей лишь нечто неподвижное или двигающееся с неимоверно малой скоростью. Только в процессе проявки снимка изображение становится видимым на бумаге, которая крепится на холсте.

«Признаки места (Монако)», 2010 © Франческо Канделоро

Род. в 1974 году в Венеции, Италия / Живет и работает в Венеции

Начав с анализа методов и способов видения, позже Канделоро проявил особый интерес к выразительным возможностям света при съемке архитектуры, городского пространства и любой окружающей среды. Эти поиски нашли отражение в его живописных работах, фотографии, скульптуре и инсталляциях. Работа под названием «Segnali dei luoghi (Monaco)» («Признаки места (Монако)») сделана к выставке «Città delle Città» («Город городов»), проходившей в Палаццо Фортуни в Венеции. Она состоит из двух слоев плексигласа с наложением трафаретной печати, образующих своего рода рельеф местности. Чтобы исследовать пространство и поразмышлять о концепции местности, о которой идет речь, чтобы точно передать ее индивидуальность, Канделоро разрезает листы, ориентируясь на особые знаки, которые он видит, руководствуясь поэтическим чутьем, своим опытом и интуицией. Это может быть некое известное место, или памятник, или даже неопределенное пространство. Художник стремится найти новую интерпретацию городской фактуры, предлагая необычный взгляд на давно и хорошо знакомое, что на самом деле всегда таит в себе готовность к сюрпризам.

«Пейзаж», 1925 © Джорджо Моранди

1890, Болонья, Италия – 1964, Болонья

Серия пейзажей, написанных Моранди между 1921 и 1925 годами, свидетельствует о его внимательном изучении живописной манеры Коро. Это выражено не только в выборе общего тонального решения, но, прежде всего, в способности художника сконцентрироваться на самом предмете и отказаться от несущественных деталей. Он решительно дистанцируется от размышлений о промышленном прогрессе, в то время доминировавших в искусстве, предпочитая глубинное, созерцательное видение городского ландшафта. На представляемой работе «Paesaggio (Пейзаж)» (1925) – окраина Болоньи.

Геометрически расположенные по обеим сторонам полотна дома придают изображению перспективу, в то же время акцентируя внимание зрителя на остальных элементах пейзажа. Подчеркивая вертикальность композиции, на переднем плане высится труба, устремленная в небо; средний план отдан растительности, за которой мы видим группу строений, полосой уходящих к линии горизонта, завершающей композицию.

«Дом у леса (2)», 2007 © Герберт К. Оттерсбах

Род. в 1960 в Кёльне, Германия / Живет и работает в Кёльне и Сен-Леон-сюр-Везер, Франция

Герберт К. Оттерсбах – один из самых заметных современных художников Германии. В течение последних пятнадцати лет его работы сосредоточены на изучении новейшей истории, в них осмысливаются значение искусства и роль художника в современном социальном контексте.

С начала 1990-х годов поиск образов для Герберта К. Оттерсбаха – неотъемлемая часть творческого процесса. В своих исследованиях он использует материалы из исторических и частных архивов, Интернета и прочих доступных средств массовой информации. Художник с головой уходит в изучение источника, затем делает наброски задуманного на компьютере и, наконец, с учетом их формы и содержания, располагает различные элементы картины в новом контексте. Он переносит композицию на полотно, раскрашивая и прикрепляя компьютерные распечатки посередине, будто это предварительный набросок будущей картины. Его техника отсылает нас к «видовому признаку» живописи в век механического копирования.

«Заход солнца. Берлин», 1978 © Райнер Феттинг

Род. в 1949 году в Вильгельмсхавене, Германия / Живет и работает в Берлине и на острове Зильт

Работая богатыми, широкими мазками, Райнер Феттинг создает большие полотна, и темы его произведений остаются неизменными на протяжении долгого времени. Возвратившись в Германию в 1979 году (он обучался живописи в Нью-Йорке), художник приступил к серии картин, посвященных Берлину: он рисует закаты, Берлинскую стену, метро. Написанные яркими красками, они представляют собой собрание впечатляющих видов мегаполиса. В то же время в этой серии исследуется диалектика отношений между художником и обществом. «Заход солнца. Берлин» (1978) – ранняя работа из целого цикла картин, посвященных Берлинской стене. В своей широкой, размашистой манере Феттинг отображает только большие пространства; он не стремится ни к передаче архитектоники, ни к линейному изображению. В процессе работы тонкая струйка эмульсионной краски словно высвобождает объект изображения, и тема заключена уже вне оригинала. Картина становится автономным образом события, но при этом историческая достоверность его не утрачивается.

«Милан», 1980 © Габриэле Базилико

Род. в 1944 году в Милане, Италия / Живет и работает в Милане

Габриэле Базилико – один из ведущих современных итальянских фотографов; мировое признание он получил благодаря фотопроектам, посвященным теме трансформации городского пейзажа, которыми занимается с конца 1970-х. Самую широкую известность приобрели два его проекта: серия снимков на севере Франции, сделанная в 1984–1985 годах и вошедшая в собрание Mission Photographique de la DATAR (агентство, спонсируемое французским правительством, которое сохраняет в фотографиях города и ландшафты Франции), и серия снимков Бейрута, пережившего долгую гражданскую войну (1991). Впервые Базилико заявил о себе циклом работ, посвященных заводам и фабрикам Милана (1978–1980). На этих фотографиях, продемонстрировавших его творческую зрелость, промышленные пригороды столицы Ломбардии приобретают знаковый смысл. Автор посвящает им серьезное исследование, размышляя о промышленной архитектуре как о символе «гения места» и факторе, радикально изменяющем городской ландшафт.

«Бирмингем 18.03.2004. Серия «Городская Европа», 2008 © Марко Занта

Род. в 1962 году в Тревизо, Италия / Живет и работает в Тревизо

Снимок принадлежит к серии, названной «Городская Европа» («Urban Europe»), – над этим проектом Занта работал с 2000 до 2004 года. В 2000 году, возвратившись в Италию после долгого путешествия по Японии, фотограф испытал потребность начать исследование европейского городского пейзажа, которое могло бы помочь в определении европейской идентичности. Что же на самом деле объединяет и идентифицирует Европу? Возможно ли найти чувство общей принадлежности через идеальную панораму Европы, сложенную из раздробленных фрагментов реальности? Именно эти вопросы побудили Занта к изучению городского ландшафта, и он отправился в путешествие. В течение четырех последующих лет он задокументировал целый ряд самых разных объектов архитектуры в нескольких крупных городах Европы. Его внимание привлекали здания, построенные в 1994–2004 годах, которым в будущем суждено стать символами современных городов. Все они, несмотря на их различие, причастны к формированию европейской самоидентификации и ассоциируются с ней.

«Туннель № 4 в Болонье», 2010 © Джеймс Касебере

Род. в 1953 году в Лансинге (штат Мичиган), США / Живет и работает в Нью-Йорке

По мнению Касебере, архитектура дает возможность исследовать социальные структуры и их взаимоотношения с управленческими системами. В своей студии он создавал все более сложные модели, воспроизводящие конкретные образцы архитектуры и ландшафта, затем фотографировал их, выделяя не только структурные детали, но и элементы атмосферы (регулируя интенсивность освещения и количество мельчайших частиц, которые могли сделать изображение более расплывчатым).

Это можно увидеть в представленной здесь фотоработе «Туннель № 4 в Болонье», которая завершает цикл, начатый в 2008 году и входящий в серию «Затопленная келья», на создание которой художника отчасти вдохновил средневековый подземный водопровод в Болонье.

«Улица дю Шерш Миди, 19», 1900-1927 © Эжен Атже

1857, Либорн, Франция – 1927, Париж

На фотографии вы видите вход в винный магазинчик Лорана; рядом, у того же дома, – группа детей, зачарованно смотрящих в камеру. Слева груда мебели в стиле неоклассицизма – стол и несколько кресел; на окне литая решетка; фасад над магазином украшает круглый барельеф… Всё это драгоценные свидетельства истории Парижа, его прошлого, которое Атже сохранил в своих фотографиях. «Фотографируя Париж, Атже не мог не увлечься историей города. Об этом свидетельствуют выбор зданий, улиц, церквей, развалин, дворцов, мостов, умение разглядеть детали и произведения искусства», – пишет Эббот. Но снимки Атже вызывают не только чувство ностальгии. Его понимание фотографии как средства коммуникации оказывается удивительно современным: эстетика подчинена функциональности. Фотография для него – средство достижения цели. Таким образом, с точки зрения сегодняшнего дня, фото искусство Атже – плавный переход от урбанистической топографии XIX века к принятой в XX и XXI веках художественно-документальной практике.

«Ресторан «Блоссом», Нью-Йорк», 1935 © Беренис Эббот

Род. в 1930 году в Санта-Маргерита-Лигуре, Италия / Живет и работает в Милане

Начиная с 1929 года Беренис Эббот, вооружившись поставленной на штатив камерой 8x10, запечатлела строительный бум в Нью-Йорке, где в то время возводились небоскребы. С ее камерой работа шла медленно и трудно, но Эббот, тем не менее, регулярно меняла перспективу и создавала очень динамичные композиции. Такого рода реалистические фотографии не считались тогда отвечающими времени, и во время Великой депрессии на долю Эббот выпали большие трудности. Несмотря на это почти десять лет художница продолжала следовать своей визуальной концепции, отображая быстро меняющийся городской ландшафт в великолепных черно-белых фотографиях, которые она делала с нижней точки. Только в 1950-е годы темы ее работ изменились: Эббот начала заниматься научной фотографией и часто в процессе съемки использовала микроскоп. Таким образом ей удалось зафиксировать на пленке явления, ставшие предметом научных исследований, – например, магнитные поля и паттерны движения.

«Милан», 1967 © Джанни Беренго Гардин

Род. в 1930 году в Санта-Маргерита-Лигуре, Италия / Живет и работает в Милане

Фотографии Джанни Беренго Гардина потрясают своей поэтичностью, которую он умудряется извлечь из мимолетных сцен повседневной жизни; они трогают явным сочувствием художника к объекту отображения и привлекают пейзажами, всегда имеющими формально сбалансированную композицию. Постоянное внимание Беренго Гардина к людям и окружающей действительности сделало его великим толкователем итальянской жизни и итальянских ландшафтов, ставших, благодаря его снимкам, частью коллективной памяти.

«Милан», 1967 © Джанни Беренго Гардин

Род. в 1930 году в Санта-Маргерита-Лигуре, Италия / Живет и работает в Милане

Представленные здесь фотографии, выполненные в Милане, входят в цикл, посвященный труду и быту итальянцев. Несмотря на его приверженность к репортажу и социальному документированию, каждый снимок Беренго Гардина – доказательство того, что он сохраняет острый интерес к происходящему и глубокое уважение к тем, кого запечатлевает. И это делает его одним из самых наблюдательных и оригинальных документалистов современного общества.

«Гамбург. Продавщица лимонов на рыбном рынке», 1952 © Анри Картье-Брессон

1908, Шантелу-ан-Бри, Франция – 2004, Сересте

В 1937–1938 годах Картье-Брессон работал помощником режиссера у Жана Ренуара. Еще до того как фотограф создал знаменитую теорию «решающего момента», изложенную в книге под тем же названием 1952 года, он подтвердил ее на практике, став в годы Второй мировой войны военным репортером. Вот как описывал художник свою концепцию фотосъемки в книге «Решающий момент»: «Важно… подходить к объекту изображения на цыпочках, даже если мы снимаем натюрморт. Бархатная рука и ястребиный глаз – вот чем мы должны обладать… И фотографии следует делать без вспышки, хотя бы ради уважения к естественному освещению – даже когда его совсем нет. Если фотограф не выполняет эти условия, то он становится невыносимо агрессивным типом. Эта профессия во многом зависит от отношений, которые фотограф устанавливает с теми, кого он фотографирует. Неправильное отношение, неверное слово или неверный выбор позиции все разрушают».

«Гамбург», 1952 © Анри Картье-Брессон

1908, Шантелу-ан-Бри, Франция – 2004, Сересте

В 1937–1938 годах Картье-Брессон работал помощником режиссера у Жана Ренуара. Еще до того как фотограф создал знаменитую теорию «решающего момента», изложенную в книге под тем же названием 1952 года, он подтвердил ее на практике, став в годы Второй мировой войны военным репортером. Вот как описывал художник свою концепцию фотосъемки в книге «Решающий момент»: «Важно… подходить к объекту изображения на цыпочках, даже если мы снимаем натюрморт. Бархатная рука и ястребиный глаз – вот чем мы должны обладать… И фотографии следует делать без вспышки, хотя бы ради уважения к естественному освещению – даже когда его совсем нет. Если фотограф не выполняет эти условия, то он становится невыносимо агрессивным типом. Эта профессия во многом зависит от отношений, которые фотограф устанавливает с теми, кого он фотографирует. Неправильное отношение, неверное слово или неверный выбор позиции все разрушают».

«Бухарест. Румыния», 1991 © Барбара Клемм

Род. в 1939 году в Мюнстере, Германия / Живет и работает во Франкфурте

Представленные здесь работы Барбара Клемм привезла из командировок, куда ездила в качестве фотокорреспондента газеты, где многие из снимков и были опубликованы. Без штатива и тяжелого оборудования, с двумя небольшими фотокамерами, Клемм отправлялась за сюжетами в первую очередь как фотожурналист. Снимки показывают жизнь простых людей и не носят никакого политического оттенка. Оставаясь наблюдателем, Барбара Клемм общается на равных с теми, кого снимает, но ее подход к ситуации необычайно тонок. Герой всегда предстает как частица того, что его окружает, причем вовсе не в драматический момент и не в необычном ракурсе. На ее фотографиях, чаще всего сделанных в беднейших районах, – спокойные, но живые сцены подчеркнуто обыденной, повседневной жизни.

«Брэдфорд. Англия», 1976 © Барбара Клемм

Род. в 1939 году в Мюнстере, Германия / Живет и работает во Франкфурте

Представленные здесь работы Барбара Клемм привезла из командировок, куда ездила в качестве фотокорреспондента газеты, где многие из снимков и были опубликованы. Без штатива и тяжелого оборудования, с двумя небольшими фотокамерами, Клемм отправлялась за сюжетами в первую очередь как фотожурналист. Снимки показывают жизнь простых людей и не носят никакого политического оттенка. Оставаясь наблюдателем, Барбара Клемм общается на равных с теми, кого снимает, но ее подход к ситуации необычайно тонок. Герой всегда предстает как частица того, что его окружает, причем вовсе не в драматический момент и не в необычном ракурсе. На ее фотографиях, чаще всего сделанных в беднейших районах, – спокойные, но живые сцены подчеркнуто обыденной, повседневной жизни.

«Украина. СССР», 1973 / 1978 © Барбара Клемм

Род. в 1939 году в Мюнстере, Германия / Живет и работает во Франкфурте

Представленные здесь работы Барбара Клемм привезла из командировок, куда ездила в качестве фотокорреспондента газеты, где многие из снимков и были опубликованы. Без штатива и тяжелого оборудования, с двумя небольшими фотокамерами, Клемм отправлялась за сюжетами в первую очередь как фотожурналист. Снимки показывают жизнь простых людей и не носят никакого политического оттенка. Оставаясь наблюдателем, Барбара Клемм общается на равных с теми, кого снимает, но ее подход к ситуации необычайно тонок. Герой всегда предстает как частица того, что его окружает, причем вовсе не в драматический момент и не в необычном ракурсе. На ее фотографиях, чаще всего сделанных в беднейших районах, – спокойные, но живые сцены подчеркнуто обыденной, повседневной жизни.

«Скорцень. Молдавия», 1991 © Барбара Клемм

Род. в 1939 году в Мюнстере, Германия / Живет и работает во Франкфурте

Представленные здесь работы Барбара Клемм привезла из командировок, куда ездила в качестве фотокорреспондента газеты, где многие из снимков и были опубликованы. Без штатива и тяжелого оборудования, с двумя небольшими фотокамерами, Клемм отправлялась за сюжетами в первую очередь как фотожурналист. Снимки показывают жизнь простых людей и не носят никакого политического оттенка. Оставаясь наблюдателем, Барбара Клемм общается на равных с теми, кого снимает, но ее подход к ситуации необычайно тонок. Герой всегда предстает как частица того, что его окружает, причем вовсе не в драматический момент и не в необычном ракурсе. На ее фотографиях, чаще всего сделанных в беднейших районах, – спокойные, но живые сцены подчеркнуто обыденной, повседневной жизни.

«Синагога. Москва», 1987 © Барбара Клемм

Род. в 1939 году в Мюнстере, Германия / Живет и работает во Франкфурте

Представленные здесь работы Барбара Клемм привезла из командировок, куда ездила в качестве фотокорреспондента газеты, где многие из снимков и были опубликованы. Без штатива и тяжелого оборудования, с двумя небольшими фотокамерами, Клемм отправлялась за сюжетами в первую очередь как фотожурналист. Снимки показывают жизнь простых людей и не носят никакого политического оттенка. Оставаясь наблюдателем, Барбара Клемм общается на равных с теми, кого снимает, но ее подход к ситуации необычайно тонок. Герой всегда предстает как частица того, что его окружает, причем вовсе не в драматический момент и не в необычном ракурсе. На ее фотографиях, чаще всего сделанных в беднейших районах, – спокойные, но живые сцены подчеркнуто обыденной, повседневной жизни.

«Торговец цветами», Ок. 1940 © Виджи (Артур Феллиг)

1899, Злочев, Польша – 1968, Нью-Йорк, США

В работе «Торговец цветами» изображен человек с похожим на розу цветком в руке – видимо, он только что вынул его из картонной коробки и предлагает фотографу недорого его купить. Но в фокусе у Виджи вовсе не цветок, который выглядит странно-расплывчатым, а торговец. Облаченный в твидовое пальто и практичную шляпу от дождя, с галстуком на шее, он кажется смешным и в то же время вызывает симпатию – наверное, у него не было другого выхода, когда он выбрал эту незамысловатую профессию, чтобы зарабатывать себе на жизнь в Нью-Йорке.

«Критик. Г-жа Кавано с подругой у входа в Метрополитен-опера», Ок. 1943 © Виджи (Артур Феллиг)

1899, Злочев, Польша – 1968, Нью-Йорк, США

«Критик» (1943) – возможно, самая известная фотография Виджи. На ней, изначально называвшейся «Светские люди», – две богатые меценатки г-жа Кавано и ее подруга леди Десис, приехавшие в Метрополитен-опера на празднование 60-й годовщины театра. Справа на фото видна пьяная женщина,которая «разрушает» всю ситуацию, едва держась на ногах. Но это не случайно подсмотренная сценка: Виджи приметил пьянчужку в легендарном баре Сэмми в Бауэри, где он часто фотографировал, в частности по таким торжественным случаям, как празднование Нового года. Фотограф специально привел ее к Опере, чтобы сделать этот снимок. Здесь Виджи выступает мастером постановки великого сценария, который разыгрывается в огромном городе Двуликого Януса, – сопоставляются свет и тень, бедные и богатые.

«Мелкий ремонт. Кони-Айленд», Ок. 1941–1945 © Виджи (Артур Феллиг)

1899, Злочев, Польша – 1968, Нью-Йорк, США

На снимке «Мелкий ремонт. Кони-Айленд» изображены две женщины, очевидно матери семейств, которые пришли на берег со своими домочадцами, – на заднем плане видны детские и мужские ботинки. Одна из женщин лежит лицом вниз, отвернувшись от камеры, а другая зашивает прямо на ней порванные брюки. Такое обыденное домашнее дело, как это, вынесенное на людный Кони-Айленд, придает всему происходящему оттенок абсурдности.

«Снимок № 77: Нью-Йорк, Коллистер- и Хюберт-стрит, 22.06.10, 6:41 пополудни», 2010 © Барбара Пробст

Род. в 1964 году в Мюнхене, Германия/ Живет и работает в Мюнхене и Нью-Йорке, США

Барбара Пробст выбрала фотографию основным способом постижения жизни. В своих снимках она всегда стремится уловить различные ипостаси образа, для чего фрагментирует и умножает варианты изображения, и потому все ее работы состоят из нескольких фотографий. На первый взгляд, они выглядят связанными друг с другом каким-то таинственным образом, однако не раскрывают своего секрета сразу. Только позднее приходит понимание того, что, снимая одно и то же событие, художнице удалось, благодаря системе синхронизации, одновременно активизировать несколько камер. В результате образ запечатлен с разных позиций, и последовательность фотографий складывается в целое повествование, но для завершения его требуется фантазия зрителя.

«Ожидая перехода через улицу. 48-я улица – 5-я авеню», 2005 © Флориан Бём

Род. в 1969 году в Мюнхене, Германия/ Живет и работает в Мюнхене и Нью-Йорке, США

Группы людей, которых Флориан Бём фотографирует для своей серии «Ожидая перехода через улицу» на Манхэттене, захвачены в момент, когда они ждут переключения светофора, чтобы перейти дорогу. Люди стоят неподвижно, они или погружены в свои мысли, пристально глядя в пространство, или беседуют друг с другом, или говорят по мобильному телефону. В его крупноформатных портретах тротуар становится сценой, где на миг замирает пульсирующая суета большого города. А темп задает поток уличного движения, который образует недолговечные созвездия, преходящие групповые образы, возникшие спонтанно. Во время съемки Флориан Бём обычно остается незамеченным, используя интервалы, возникающие в потоке транспорта, – этого своеобразного мимолетного фона. В результате получаются кадры огромной достоверности: как точные фиксаторы событий, они запечатлевают, несмотря на анонимность главных героев, мгновенные проявления человеческой индивидуальности и невербального общения. Это великий спектакль жизни, который разыгрывается только в тот момент, когда город на мгновенье задерживает свое дыхание.

«Памела и Аллен. Форд F-150, 1988. Журнал мод, Миннесота», 2007 © Алек Сот

Род. в 1969 году в Миннеаполисе (Миннесота), США / Живет и работает в Миннеаполисе

В 2007 году фотоагентство «Магнум» пригласило фотографа поработать над третьим изданием своего журнала мод «Fashion Magazine», и Алек Сот создал специальный проект, в рамках которого мотивы Парижа тесно переплелись с сюжетами Миннесоты, его родины, к которой он глубоко привязан. Проект делится на две части: первая, посвященная французской столице, включает в себя портреты известных звезд из мира моды: Сони Рикель, Аззедин Алайа – и сняты в самых гламурных интерьерах.
Вторая часть проекта снята в Миннесоте и состоит в основном из портретов молодежи (болельщиков и баскетболистов), специально одетых стилистами, и фотографий обыкновенных людей, тоже в лучших их костюмах, рядом с собственными машинами. Фотограф хотел свести воедино две далекие друг от друга ситуации, чтобы показать, как даже в самом простом, ничем не замечательном человеке в самой заурядной ситуации можно найти красоту, которую, наверное, труднее оценить просто потому, что она не так бросается в глаза.

Без названия. Серия «В сумерках, 1993», 2007 © Борис Михайлов

Род. в 1938 году в Харькове, СССР / Живет и работает в Харькове, Украина, и Берлине, Германия

В серии фотографий «В сумерках, 1993» художник исследует последствия распада Советского Союза в начале 90-х. Он снимает широкоугольным объективом с низкой точки, чтобы крупным планом представить тревожный вид харьковских улиц. Название цикла относится ко времени суток, когда были сделаны снимки, и ощущение сумерек подчеркивается их цветовой гаммой, тяготеющей к синему кобальту. В то же время эти тона передают настроение депрессии, по ним можно судить о тяжести обстановки на Украине.

Без названия. Серия «В сумерках, 1993», 2007 © Борис Михайлов

Род. в 1938 году в Харькове, СССР / Живет и работает в Харькове, Украина, и Берлине, Германия

В серии фотографий «В сумерках, 1993» художник исследует последствия распада Советского Союза в начале 90-х. Он снимает широкоугольным объективом с низкой точки, чтобы крупным планом представить тревожный вид харьковских улиц. Название цикла относится ко времени суток, когда были сделаны снимки, и ощущение сумерек подчеркивается их цветовой гаммой, тяготеющей к синему кобальту. В то же время эти тона передают настроение депрессии, по ним можно судить о тяжести обстановки на Украине.

Без названия. Серия «В сумерках, 1993», 2007 © Борис Михайлов

Род. в 1938 году в Харькове, СССР / Живет и работает в Харькове, Украина, и Берлине, Германия

В серии фотографий «В сумерках, 1993» художник исследует последствия распада Советского Союза в начале 90-х. Он снимает широкоугольным объективом с низкой точки, чтобы крупным планом представить тревожный вид харьковских улиц. Название цикла относится ко времени суток, когда были сделаны снимки, и ощущение сумерек подчеркивается их цветовой гаммой, тяготеющей к синему кобальту. В то же время эти тона передают настроение депрессии, по ним можно судить о тяжести обстановки на Украине.

«Нью-Йорк. Биржа», 1991 © Андреас Гурски

Род. в 1955 году в Лейпциге, Германия / Живет и работает в Дюссельдорфе

«Нью-Йорк. Биржа» – одна из первых ставших теперь широко известными серий, посвященных мировым биржам – от Гонконга до Кувейта. Эти центры мировой финансовой системы, по сути, направляют и определяют нашу повседневную жизнь: в сравнительно небольших помещениях, где толпятся люди, решаются судьбы мира, что и стало очевидным в октябре 2008 года. Фотография 1991 года «Нью-Йорк. Биржа» доказывает в очередной раз умение Гурски показать тонкое взаимодействие между крупными планами и абстрактным характером общего вида.

Океаническое сообщество представляет «Международные инициативы. Тип II». Главная сцена Выставочного центра Water Dome (Водный купол) во время проведения «Саммита Земли» в Йоханнесбурге. 2 сентября, 2002, 2002 © Бруно Серралонг

Род. в 1968 году в Шателлеро, Франция / Живет и работает в Париже

Предлагаемая фотография была сделана во время Всемирного саммита по устойчивому развитию Земли, проходившего в Йоханнесбурге с 26 августа по 4 сентября 2002 года. Это была самая большая конференция, когда-либо проводившаяся на Африканском континенте. Ее посетили главы 180 государств, чтобы предложить стратегию возможного экономического развития, совместимого с заботой об экологии окружающей среды и ресурсах.

«Проект «Пересказывающие город», 2006-2010 © Франческо Йодиче

Род. в 1967 году в Неаполе, Италия / Живет и работает в Милане

Проект «Пересказывающие город» состоит из трех документальных фильмов: «Дубаи», «Арал» и «Сан-Пауло».

Каждый из фильмов рассматривает определенную социально-политическую проблему, и при их создании Йодиче, как правило, придерживается мотива описания местности, обращая внимание на городской дизайн и экологию. Объективный взгляд камеры проникает в каждую клетку урбанистического, природного и общественного ландшафта, взяв на вооружение исключительно описательный принцип.

Первый из этих фильмов, «Сан-Паулу_Пересказывающие город», был показан в рамках Биеннале в Сан-Паулу, в лондонской галерее Tate и в центре искусствDos de Mayo в Мадриде. Фильм посвящен проблеме самоуправления, типичной для людских сообществ, в которых нет никаких социальных институтов.

«Проект «Пересказывающие город», 2006-2010 © Франческо Йодиче

Род. в 1967 году в Неаполе, Италия / Живет и работает в Милане

Проект «Пересказывающие город» состоит из трех документальных фильмов: «Дубаи», «Арал» и «Сан-Пауло».

Каждый из фильмов рассматривает определенную социально-политическую проблему, и при их создании Йодиче, как правило, придерживается мотива описания местности, обращая внимание на городской дизайн и экологию. Объективный взгляд камеры проникает в каждую клетку урбанистического, природного и общественного ландшафта, взяв на вооружение исключительно описательный принцип.

Первый из этих фильмов, «Сан-Паулу_Пересказывающие город», был показан в рамках Биеннале в Сан-Паулу, в лондонской галерее Tate и в центре искусствDos de Mayo в Мадриде. Фильм посвящен проблеме самоуправления, типичной для людских сообществ, в которых нет никаких социальных институтов.

«Проект «Пересказывающие город», 2006-2010 © Франческо Йодиче

Род. в 1967 году в Неаполе, Италия / Живет и работает в Милане

Проект «Пересказывающие город» состоит из трех документальных фильмов: «Дубаи», «Арал» и «Сан-Пауло».

Каждый из фильмов рассматривает определенную социально-политическую проблему, и при их создании Йодиче, как правило, придерживается мотива описания местности, обращая внимание на городской дизайн и экологию. Объективный взгляд камеры проникает в каждую клетку урбанистического, природного и общественного ландшафта, взяв на вооружение исключительно описательный принцип.

Первый из этих фильмов, «Сан-Паулу_Пересказывающие город», был показан в рамках Биеннале в Сан-Паулу, в лондонской галерее Tate и в центре искусствDos de Mayo в Мадриде. Фильм посвящен проблеме самоуправления, типичной для людских сообществ, в которых нет никаких социальных институтов.

«Проект «Пересказывающие город», 2006-2010 © Франческо Йодиче

Род. в 1967 году в Неаполе, Италия / Живет и работает в Милане

Проект «Пересказывающие город» состоит из трех документальных фильмов: «Дубаи», «Арал» и «Сан-Пауло».

Каждый из фильмов рассматривает определенную социально-политическую проблему, и при их создании Йодиче, как правило, придерживается мотива описания местности, обращая внимание на городской дизайн и экологию. Объективный взгляд камеры проникает в каждую клетку урбанистического, природного и общественного ландшафта, взяв на вооружение исключительно описательный принцип.

Первый из этих фильмов, «Сан-Паулу_Пересказывающие город», был показан в рамках Биеннале в Сан-Паулу, в лондонской галерее Tate и в центре искусствDos de Mayo в Мадриде. Фильм посвящен проблеме самоуправления, типичной для людских сообществ, в которых нет никаких социальных институтов.

«Проект «Пересказывающие город», 2006-2010 © Франческо Йодиче

Род. в 1967 году в Неаполе, Италия / Живет и работает в Милане

Проект «Пересказывающие город» состоит из трех документальных фильмов: «Дубаи», «Арал» и «Сан-Пауло».

Каждый из фильмов рассматривает определенную социально-политическую проблему, и при их создании Йодиче, как правило, придерживается мотива описания местности, обращая внимание на городской дизайн и экологию. Объективный взгляд камеры проникает в каждую клетку урбанистического, природного и общественного ландшафта, взяв на вооружение исключительно описательный принцип.

Первый из этих фильмов, «Сан-Паулу_Пересказывающие город», был показан в рамках Биеннале в Сан-Паулу, в лондонской галерее Tate и в центре искусствDos de Mayo в Мадриде. Фильм посвящен проблеме самоуправления, типичной для людских сообществ, в которых нет никаких социальных институтов.

«Проект «Пересказывающие город», 2006-2010 © Франческо Йодиче

Род. в 1967 году в Неаполе, Италия / Живет и работает в Милане

Проект «Пересказывающие город» состоит из трех документальных фильмов: «Дубаи», «Арал» и «Сан-Пауло».

Каждый из фильмов рассматривает определенную социально-политическую проблему, и при их создании Йодиче, как правило, придерживается мотива описания местности, обращая внимание на городской дизайн и экологию. Объективный взгляд камеры проникает в каждую клетку урбанистического, природного и общественного ландшафта, взяв на вооружение исключительно описательный принцип.

Первый из этих фильмов, «Сан-Паулу_Пересказывающие город», был показан в рамках Биеннале в Сан-Паулу, в лондонской галерее Tate и в центре искусствDos de Mayo в Мадриде. Фильм посвящен проблеме самоуправления, типичной для людских сообществ, в которых нет никаких социальных институтов.

«Проект «Пересказывающие город», 2006-2010 © Франческо Йодиче

Род. в 1967 году в Неаполе, Италия / Живет и работает в Милане

Фильм «Арал_Пересказывающие город» повествует о различных аспектах жизни вокруг того места, где раньше было внутреннее море – Арал. Поверхность его угрожающе сократилась с 60-х годов ХХ века, когда течение рек Аму-Дарьи и Сыр-Дарьи было повернуто вспять для орошения полей в Узбекистане и Казахстане. В результате этой проектной ошибки территория стала практически пустынной. Экологическая катастрофа превратила окрестности в кладбище старых рыбацких лодок, а население лишилось средств существования, но, как ни странно, не покинуло родные места, и сегодня представляет собой археологический экспонат с точки зрения человеческого собщества.

«Дубай_Пересказывающие город» анализирует противоречия (и лицемерие) известного случая современного неоурбанизма – высящегося как «собор пустыни» метрополиса, споткнувшегося на отсутствии баланса в своем экономическом развитии; именно этот дисбаланс и запустил механизм недавнего финансового кризиса.

«Проект «Пересказывающие город», 2006-2010 © Франческо Йодиче

Род. в 1967 году в Неаполе, Италия / Живет и работает в Милане

Фильм «Арал_Пересказывающие город» повествует о различных аспектах жизни вокруг того места, где раньше было внутреннее море – Арал. Поверхность его угрожающе сократилась с 60-х годов ХХ века, когда течение рек Аму-Дарьи и Сыр-Дарьи было повернуто вспять для орошения полей в Узбекистане и Казахстане. В результате этой проектной ошибки территория стала практически пустынной. Экологическая катастрофа превратила окрестности в кладбище старых рыбацких лодок, а население лишилось средств существования, но, как ни странно, не покинуло родные места, и сегодня представляет собой археологический экспонат с точки зрения человеческого собщества.

«Дубай_Пересказывающие город» анализирует противоречия (и лицемерие) известного случая современного неоурбанизма – высящегося как «собор пустыни» метрополиса, споткнувшегося на отсутствии баланса в своем экономическом развитии; именно этот дисбаланс и запустил механизм недавнего финансового кризиса.

«Проект «Пересказывающие город», 2006-2010 © Франческо Йодиче

Род. в 1967 году в Неаполе, Италия / Живет и работает в Милане

Фильм «Арал_Пересказывающие город» повествует о различных аспектах жизни вокруг того места, где раньше было внутреннее море – Арал. Поверхность его угрожающе сократилась с 60-х годов ХХ века, когда течение рек Аму-Дарьи и Сыр-Дарьи было повернуто вспять для орошения полей в Узбекистане и Казахстане. В результате этой проектной ошибки территория стала практически пустынной. Экологическая катастрофа превратила окрестности в кладбище старых рыбацких лодок, а население лишилось средств существования, но, как ни странно, не покинуло родные места, и сегодня представляет собой археологический экспонат с точки зрения человеческого собщества.

«Дубай_Пересказывающие город» анализирует противоречия (и лицемерие) известного случая современного неоурбанизма – высящегося как «собор пустыни» метрополиса, споткнувшегося на отсутствии баланса в своем экономическом развитии; именно этот дисбаланс и запустил механизм недавнего финансового кризиса.

«Проект «Пересказывающие город», 2006-2010 © Франческо Йодиче

Род. в 1967 году в Неаполе, Италия / Живет и работает в Милане

Фильм «Арал_Пересказывающие город» повествует о различных аспектах жизни вокруг того места, где раньше было внутреннее море – Арал. Поверхность его угрожающе сократилась с 60-х годов ХХ века, когда течение рек Аму-Дарьи и Сыр-Дарьи было повернуто вспять для орошения полей в Узбекистане и Казахстане. В результате этой проектной ошибки территория стала практически пустынной. Экологическая катастрофа превратила окрестности в кладбище старых рыбацких лодок, а население лишилось средств существования, но, как ни странно, не покинуло родные места, и сегодня представляет собой археологический экспонат с точки зрения человеческого собщества.

«Дубай_Пересказывающие город» анализирует противоречия (и лицемерие) известного случая современного неоурбанизма – высящегося как «собор пустыни» метрополиса, споткнувшегося на отсутствии баланса в своем экономическом развитии; именно этот дисбаланс и запустил механизм недавнего финансового кризиса.

«Проект «Пересказывающие город», 2006-2010 © Франческо Йодиче

Род. в 1967 году в Неаполе, Италия / Живет и работает в Милане

Фильм «Арал_Пересказывающие город» повествует о различных аспектах жизни вокруг того места, где раньше было внутреннее море – Арал. Поверхность его угрожающе сократилась с 60-х годов ХХ века, когда течение рек Аму-Дарьи и Сыр-Дарьи было повернуто вспять для орошения полей в Узбекистане и Казахстане. В результате этой проектной ошибки территория стала практически пустынной. Экологическая катастрофа превратила окрестности в кладбище старых рыбацких лодок, а население лишилось средств существования, но, как ни странно, не покинуло родные места, и сегодня представляет собой археологический экспонат с точки зрения человеческого собщества.

«Дубай_Пересказывающие город» анализирует противоречия (и лицемерие) известного случая современного неоурбанизма – высящегося как «собор пустыни» метрополиса, споткнувшегося на отсутствии баланса в своем экономическом развитии; именно этот дисбаланс и запустил механизм недавнего финансового кризиса.

«Проект «Пересказывающие город», 2006-2010 © Франческо Йодиче

Род. в 1967 году в Неаполе, Италия / Живет и работает в Милане

Фильм «Арал_Пересказывающие город» повествует о различных аспектах жизни вокруг того места, где раньше было внутреннее море – Арал. Поверхность его угрожающе сократилась с 60-х годов ХХ века, когда течение рек Аму-Дарьи и Сыр-Дарьи было повернуто вспять для орошения полей в Узбекистане и Казахстане. В результате этой проектной ошибки территория стала практически пустынной. Экологическая катастрофа превратила окрестности в кладбище старых рыбацких лодок, а население лишилось средств существования, но, как ни странно, не покинуло родные места, и сегодня представляет собой археологический экспонат с точки зрения человеческого собщества.

«Дубай_Пересказывающие город» анализирует противоречия (и лицемерие) известного случая современного неоурбанизма – высящегося как «собор пустыни» метрополиса, споткнувшегося на отсутствии баланса в своем экономическом развитии; именно этот дисбаланс и запустил механизм недавнего финансового кризиса.

«cinemasi (ее кино)*», 2007 © Гульсун Карамустафа

Род. в 1946 году в Анкаре, Турция / Живет и работает в Стамбуле

Короткий фильм найден художницей в архиве Yapi Kredi Bank – он был снят Банком в 1950-х годах для первого знакомства со Стамбулом. Созвучный устремлениям и идеалам Турецкой Республики, он представляет город изысканным и необычайно притягательным, а прекрасный язык и приятный голос рассказчика усиливают это впечатление. Черно-белые кадры, словно радушный хозяин, приглашают нас в прошлое, вызывая у зрителя ностальгию и зачаровывая его.

^{* Игра слов: cinema (англ.) и sinema (турецк.).}

«cinemasi (ее кино)*», 2007 © Гульсун Карамустафа

Род. в 1946 году в Анкаре, Турция / Живет и работает в Стамбуле

Короткий фильм найден художницей в архиве Yapi Kredi Bank – он был снят Банком в 1950-х годах для первого знакомства со Стамбулом. Созвучный устремлениям и идеалам Турецкой Республики, он представляет город изысканным и необычайно притягательным, а прекрасный язык и приятный голос рассказчика усиливают это впечатление. Черно-белые кадры, словно радушный хозяин, приглашают нас в прошлое, вызывая у зрителя ностальгию и зачаровывая его.

^{* Игра слов: cinema (англ.) и sinema (турецк.).}

«cinemasi (ее кино)*», 2007 © Гульсун Карамустафа

Род. в 1946 году в Анкаре, Турция / Живет и работает в Стамбуле

Короткий фильм найден художницей в архиве Yapi Kredi Bank – он был снят Банком в 1950-х годах для первого знакомства со Стамбулом. Созвучный устремлениям и идеалам Турецкой Республики, он представляет город изысканным и необычайно притягательным, а прекрасный язык и приятный голос рассказчика усиливают это впечатление. Черно-белые кадры, словно радушный хозяин, приглашают нас в прошлое, вызывая у зрителя ностальгию и зачаровывая его.

^{* Игра слов: cinema (англ.) и sinema (турецк.).}

«Монделло. Монте Пелегрино 2, № 2779», 2007 © Массимо Витали

Род. в 1944 году в Комо, Италия / Живет и работает в Лукке

В 1995 году Витали создал серию фотографий, посвященную пляжам. В ней художник, руководствуясь присущим ему безошибочным чувством стиля, предложил собственную интерпретацию изобразительного жанра, известного как «пейзаж с фигурой», что и принесло ему международную славу и признание. В этот цикл входит и работа «Монделло. Монте Пелегрино 2. № 2779». Доминанта изображения – море, раскинувшееся во всю ширь, с крошечными фигурами купальщиков, как бы выступающими из воды. «Природа» господствует, но в то же время она показана здесь как среда общественного обитания, являясь таковой благодаря присутствию в ней человека. Пейзажи, запечатленные Витали, фактически отражают изменения, происходящие в антропологическом и социальном планах; они дают нам возможность с беспристрастностью увидеть явления современной жизни во всех ее удивительных противоречиях.

«Нападение», 1985 © А. Р. Пенк

Род. в 1939 году в Дрездене, Германия / Живет и работает в Дублине, Ирландия, Лондоне, Великобритания, и Берлине, Германия

В работе под названием «Нападение» Пенк обращается к теме первобытного человеческого страха перед угрозой нападения, потери ощущения безопасности.

Без названия (Световая реклама в Праге), Ок. 1925 © Яромир Функе

1896, Скутеч, Чехия – 1945, Прага

Творчество фотохудожника принадлежит к международному авангардному стилю «нового видения» – перспективу, например, он показывал таким образом: мужчина и женщина смотрят вниз, в «каньоны городских улиц», или с замиранием сердца они взирают вверх, на головокружительную высоту жилых небоскребов или верхушки труб, или восхищаются мерцающим неоновым светом рекламы.

Такое динамичное видение соответствовало бурному темпу городской жизни и радикально отличалось от идиллической созерцательности пейзажной съемки, что еще можно было наблюдать у поклонников «живописного» направления в фотоискусстве.

«Джаз-банд. Из поэмы Маяковского «Про это» (Часть 2. Ночь под Рождество: Друзья)», 1923 © Александр Родченко

1891, Санкт-Петербург, Россия – 1956, Москва, СССР

В этом фотомонтаже, помещенном в тексте главы «Друзья»: «И снова / стен раскаленных степи / под ухом звенят и вздыхают в тустепе», – среди сцен буржуазной жизни, застолий и танцев, на заднем плане над телом странной танцовщицы появляется гротесковое лицо самого художника, которое подают на серебряном подносе – как отрубленную голову мученика.

«Одеон», 2001 © Бернхард Лугинбюль

1929, Берн, Швейцария – 2011, Лангау-им-Эмменталь

В 2001 году HypoVereinsbank заказал художнику работу для огненной инсталляции под названием «Одеон». Модель 18-метровой скульптуры должна была вспыхнуть в темноте на мюнхенской Одеонс-плац во время церемонии по случаю возобновления работы выставочного зала HypoKunsthalle. К сожалению, огненная инсталляция не состоялась, и сегодня лишь небольшая модель служит напоминанием о задумывавшейся грандиозной церемонии.

«Хочу быть китайцем. Dinghi», 2011 © Райнер Ганаль

Род. в 1961 году в Блюденсе, Австрия / Живет и работает в Нью-Йорке, США

В работе «Хочу быть китайцем. Dinghi» отразилась давнишняя увлеченность Ганаля велосипедом, любимым видом транспорта. Он не устает пропагандировать его как испытанный инструмент расширения интеллектуальных горизонтов и географических познаний.

«Хочу быть китайцем. Dinghi», 2011 © Райнер Ганаль

Род. в 1961 году в Блюденсе, Австрия / Живет и работает в Нью-Йорке, США

В работе «Хочу быть китайцем. Dinghi» отразилась давнишняя увлеченность Ганаля велосипедом, любимым видом транспорта. Он не устает пропагандировать его как испытанный инструмент расширения интеллектуальных горизонтов и географических познаний.

«Хочу быть китайцем. Dinghi», 2011 © Райнер Ганаль

Род. в 1961 году в Блюденсе, Австрия / Живет и работает в Нью-Йорке, США

В работе «Хочу быть китайцем. Dinghi» отразилась давнишняя увлеченность Ганаля велосипедом, любимым видом транспорта. Он не устает пропагандировать его как испытанный инструмент расширения интеллектуальных горизонтов и географических познаний.

«Хочу быть китайцем. Dinghi», 2011 © Райнер Ганаль

Род. в 1961 году в Блюденсе, Австрия / Живет и работает в Нью-Йорке, США

В работе «Хочу быть китайцем. Dinghi» отразилась давнишняя увлеченность Ганаля велосипедом, любимым видом транспорта. Он не устает пропагандировать его как испытанный инструмент расширения интеллектуальных горизонтов и географических познаний.

«Хочу быть китайцем. Dinghi», 2011 © Райнер Ганаль

Род. в 1961 году в Блюденсе, Австрия / Живет и работает в Нью-Йорке, США

В работе «Хочу быть китайцем. Dinghi» отразилась давнишняя увлеченность Ганаля велосипедом, любимым видом транспорта. Он не устает пропагандировать его как испытанный инструмент расширения интеллектуальных горизонтов и географических познаний.

«Летний вечер на Альстере с катающимися на лодках», 1911 © Макс Либерман

1847, Берлин, Германия – 1935, Берлин

Период 1900–1913 годов – вершина творческого расцвета художника. Работа «Летний вечер на реке Альстер», выполненная в яркой импрессионистской манере, относится именно к этому времени. Тогда художник был президентом Берлинского сецессиона, а с 1902 года выполнял заказы Альфреда Лихтварка в Гамбурге. В эти годы Либерман обращался к наиболее выразительным и эмоциональным темам, воплощая их в менее пастозных, однако ясных и контрастных тонах.

«Сцена на берегу с калеками», 1922 © Франц Радзивилл

1895, Строхаузен, Германия – 1983, Вильгельмсхавен

Работа под названием «Сцена на берегу с калеками», скорее всего, была написана именно в Дангасте. На ней – несколько фигур на пляже, обнаженных и одетых, с ампутированными частями тела. Это изображено в наивном, экспрессионистском стиле. Чтобы подчеркнуть мрачную атмосферу сюжета, художник использует яркий красный фон.
Характерны четко очерченные обнаженные тела и одетые фигуры, двухмерные и безликие. Композиция содержит также еле различимые пространства-паузы, в то время как отдельные мотивы сгруппированы изолированно и включают в себя повествовательные фантастические элементы, не имеющие логической связи с остальным содержанием картины. Работу Радзивилла можно интерпретировать как протест против угрозы наступления техники на природу и человека.

«Театр Стентерелло. № 4», 1914 © Альберто Маньелли

1888, Флоренция, Италия – 1971, Медон (Париж), Франция

В картине 1914 года «Театр Стентерелло. № 4», где художник уделяет особое внимание экспрессивному потенциалу цвета и плоскостному изображению форм с четко обозначенными границами, ощущается влияние значимых для него фигур в первый его парижский период – Матисса и Пикассо. Особенно проступает это в общей композиции образа, продиктованной взаимоотношениями наложенных друг на друга уровней, что подчеркивает связь автора с кубизмом.

«Женщина в веках», 1920-е © Даниил Яковлевич Черкес

1899, Москва, Россия – 1971, Москва, СССР

Работа «Женщина в веках» представляет состояние русской культуры 1920-х годов, противоположное конструктивному и позитивному началу, с которым связана основная линия искусства России послереволюционного периода. Отчасти картина принадлежит традиции театрального искусства конца 1910-х годов и присутствием условных, усвоенных театральным салоном, формально футуристических, а по сути декадентских элементов адресует к художественному языку, все еще популярному в театре того времени и заставляющему вспомнить стилистические особенности и манеру работ Георгия Богдановича Якулова.
Однако подлинным содержанием произведения является манифестация культуры карнавала, ночной жизни города, праздника и кабаре, культуры мира наизнанку. Одновременно она несет в себе дионисийскую традицию, древнюю, сумеречную, оргиастическую.

«Между трофеями и сувенирами большая разница», 2009 © Ринус Ван де Вельде

Род. в 1983 году в Антверпене, Бельгия / Живет и работает в Антверпене

Рисунок углем большого формата со словами «There is a big difference between trophies and souvenirs» («Между трофеями и сувенирами большая разница») в очередной раз отображает любимого героя Ван де Вельде – Уильяма Краудера. Сам художник так комментирует это: «Уильям Краудер завершает свою карьеру и размышляет над тем, что делать со своими воспоминаниями… Точнее, он размышляет над тем, как память становится объектом. Между трофеями и сувенирами большая разница. Иногда есть смысл подумать над этим словосочетанием (точно так же, как вы думаете о воспоминаниях); однако, с другой стороны, в этом вообще нет смысла, и вы заходите в тупик, из которого не выбраться. В рисунке мне нравится то, что он непонятный, вы можете разглядывать его с разных точек, и поэтому очень трудно говорить о нем или его объяснять. <…>
Более того, в картине есть настроение, какое-то депрессивное чувство, кто-то покидает вас, держа в руках шкуру леопарда».

«Белые окна», 2010 © Александр Бродский

Род. в 1955 году в Москве, СССР / Живет и работает в Москве, Россия

В своем творчестве Бродский говорит о времени и пространстве; он стремит ся исследовать то, что явилось результатом его жизненного опыта.

«Cам зрительный образ обладает загадочными, необъяснимыми свойствами. Создавать образ в живописи для меня то же самое, что открывать дверь, которая ведет в новое пространство. Поэтому в процессе рисования я постоянно делаю открытия и рисую не то, что собирался. Моя рука рисует больше, чем я ожидал».

Так Александр Бродский, художник и архитектор, описывает собственную художественную практику, давая понять о заложенных в ней больших возможностях для эксперимента.

«Игра в монополию. Нью-Йорк», 1980 © Нан Голдин

Род. в 1953 году в Вашингтоне, США / Живет и работает в Нью-Йорке

В возрасте 14 лет Нан Голдин ушла из дома и поселилась с друзьями. В 1974 году, уже после того как она попробовала себя в любительской фотографии и провела первую выставку своих фоторабот, художница начала учиться в Школе при Музее изящных искусств в Бостоне. Там она приступила к ведению «визуального дневника» – бесконечного потока черно-белых снимков своих друзей в постели, у холодильника, сплетенных в объятиях, фотографий молодых мужчин, женщин и, кроме того, порядочного числа лиц, чья гендерная принадлежность не поддается определению.

В 1978 году Голдин переехала в Нью-Йорк, где встретила множество интересных людей и прославилась своими легендарными вечеринками. Все они запечатлены на ее фотографиях, поскольку фотоаппарат она сделала, по сути, своим третьим глазом. Ничего не ускользало от ее камеры – она продолжала вести фотодневник отчасти для того, чтобы показывать своим друзьям их правдивое изображение.

«Телефоны», 1995 © Кристиан Маркли

Род. в 1955 году в Сан-Рафаэле, США / Живет и работает в Нью-Йорке

Телефон – одно из важнейших средств связи в современном обществе, неотъемлемый элемент ежедневного общения. В своей работе Кристиан Маркли сосредоточился на мгновении, когда раздается входящий звонок, – это точка отсчета дальнейшего развития действия, от начала разговора до драматической кульминации событий. Сцены, послужившие основой для канвы «Телефонов», заимствованы из черно-белого кино 1950–1960-х годов. Они представляют собой последовательно смонтированные ключевые эпизоды картин,превращающиеся в оригинальную ленту с самостоятельным сюжетом. В новом произведении ощущается легкая ирония по отношению к господству телефона, который в буквальном смысле задает тон всей истории. Кристиан Маркли использовал также обиходную звуковоспроизводящую технику: радио, граммофонные пластинки и кассетные магнитофоны. Особо привлекали его три аспекта: способность техники воспроизводить звук, возможность делать это более или менее самостоятельно и сам феномен звука.

«Телефоны», 1995 © Кристиан Маркли

Род. в 1955 году в Сан-Рафаэле, США / Живет и работает в Нью-Йорке

Телефон – одно из важнейших средств связи в современном обществе, неотъемлемый элемент ежедневного общения. В своей работе Кристиан Маркли сосредоточился на мгновении, когда раздается входящий звонок, – это точка отсчета дальнейшего развития действия, от начала разговора до драматической кульминации событий. Сцены, послужившие основой для канвы «Телефонов», заимствованы из черно-белого кино 1950–1960-х годов. Они представляют собой последовательно смонтированные ключевые эпизоды картин,превращающиеся в оригинальную ленту с самостоятельным сюжетом. В новом произведении ощущается легкая ирония по отношению к господству телефона, который в буквальном смысле задает тон всей истории. Кристиан Маркли использовал также обиходную звуковоспроизводящую технику: радио, граммофонные пластинки и кассетные магнитофоны. Особо привлекали его три аспекта: способность техники воспроизводить звук, возможность делать это более или менее самостоятельно и сам феномен звука.

«Телефоны», 1995 © Кристиан Маркли

Род. в 1955 году в Сан-Рафаэле, США / Живет и работает в Нью-Йорке

Однако работа «Телефоны» имеет более глубокий смысл, и потому телефонный аппарат рассматривается не только как устройство, передающее звук, – автор дает оценку его значения в жизни общества. Возможности телефона велики: с его помощью можно собирать информацию, осуществлять контроль, избегая непосредственного контакта, и преодолевать большие расстояния, и потому ему принадлежала одна из ключевых ролей в современном мире задолго до появления мобильника. Все вышеупомянутые функции позволили телефонным разговорам и самому факту звонка занять важное место в театре, литературе и кино. Превратившись в удобное приспособление для придания действию драматизма, для дальнейшего его развития и разъяснения смысла происходящего, телефон одновременно показывал, что говорящие находятся в разных мирах и, вопреки пресловутому единству места и времени, связывает их только он.

«Площадь Италии», 1970 © Джорджо де Кирико

1888, Волос, Греция – 1978, Рим, Италия

В 1899 году семья де Кирико переехала в Афины, а с 1906-го художник, его мать и брат Андреа после смерти отца жили в Италии. После 1914 года брат Джорджо Андреа приобрел известность под именем Альберто Савиньо: он был музыкантом, писателем, а позже и художником. Вскоре Джорджо отправился в Мюнхен, где два года посещал Академию искусств. Именно здесь развивался его художественный вкус, а основой для его взглядов послужили работы Бёклина и Клингера и философские трактаты Шопенгауэра и Ницше. Первые картины он написал под влиянием Бёклина. Затем, по собственному признанию де Кирико, время Бёклина прошло, и он начал рисовать натуру – например, его влекла меланхолия прекрасных осенних полдней в итальянских городах, – через которую художник пытался передать сильные и не поддающиеся разгадке чувства, открытые им в Ницше. Такие картины, как «Загадка осеннего полдня», «Загадка оракула» и портрет брата, написанный в 1910 году, соединяют в себе влияние Бёклина и атмосферу, которой отмечена поздняя серия «Площади Италии».

«Отжившая форма», 2008-2010 © Давид Малькович

Род. в 1973 в Риеке, Югослваия / Живет и работает в Загребе, Хорватия

Работа «Отжившая форма» состоит из трех коллажей и скомпонована из кадров видео того же названия. В «Отжившей форме» художник заново разрабатывает и интегрирует образы памятников, имевших большое значение для хорватов, памятников, воздвигнутых в 1960-х и 1970-х годах и укоренившихся в народном сознании. Исходя из объективного факта существования этих сооружений на территории его родины, Малькович прослеживает изменения в оценке и значении этих памятников для разных поколений.

Персональные выставки художника прошли в Нюрнберге в музее Kunstverein (2008), в музее современного искусства MoMA PS1 в Нью-Йорке и в музее современного искусства CAPC в Бордо (2007). Он принимал участие в биеннале в Сан-Паулу (2010), в биеннале в Стамбуле (2009), и в Берлинской биеннале (2008). В 2010 году Музей современного искусства в Любляне (Mala Galerija) посвятил его работам персональную выставку

«Упакованный мост Сант-Анджело», 1985 © Христо Явачев

Род. в 1935 году в Габрово, Болгария / Живет и работает в Нью-Йорке, США

Упаковывая дома, мосты и даже береговые линии, Христо не только создает прекрасные произведения искусства, но и преобразует повседневную рутину в нечто странное и таинственное. Акт обертывания скрывает функции и особенности объектов. Это усиливает наше осознание чего-то невыявленного, отражая и ту сторону жизни, в которой мы живем, и ее связь с техникой сокрытия, «упаковки». Таким образом, наши привычные зрительные парадигмы оказываются под вопросом, знакомые вещи становятся настолько отчужденными, что мы начинаем видеть их другими глазами. Портфолио включает впечатляющую серию из пяти листов печатной графики, в которых демонстрируется эта концепция, а также дается набросок способа упаковки архитектурных памятников Нью-Йорка, Рима, Милана, Парижа и Кёльна.

«Вильнюс–2009», 2009 © Жорж Русс

Род. в 1947 году в Париже, Франция / Живет и работает в Париже

«Вильнюс» – одно из таких изысканно задуманных искаженных изображений. Русс, как зачастую с ним бывало, обнаружил это пространство во время одного из своих многочисленных путешествий, которые иногда забрасывают его в столь отдаленные друг от друга места, как Япония, Корея, Канада, США и Европа. Находясь в постоянном поиске новых «скульптурных медитаций», на этот раз он обнаружил свой фотообъект в заброшенном здании в Вильнюсе. Пол, стены и колонны были покрашены таким образом, что большой черный круг оказывается в центре пространства. Со строгой математической точностью круглая геометрическая структура помещена поверх многочисленных структур «естественного» заднего плана. Такого рода противопоставление открывает новую перспективу и модифицирует интерпретацию пространства.

«Отжившая форма», 2008-2010 © Давид Малькович

Род. в 1973 в Риеке, Югослваия / Живет и работает в Загребе, Хорватия

Работа «Отжившая форма» состоит из трех коллажей и скомпонована из кадров видео того же названия. В «Отжившей форме» художник заново разрабатывает и интегрирует образы памятников, имевших большое значение для хорватов, памятников, воздвигнутых в 1960-х и 1970-х годах и укоренившихся в народном сознании. Исходя из объективного факта существования этих сооружений на территории его родины, Малькович прослеживает изменения в оценке и значении этих памятников для разных поколений.

Персональные выставки художника прошли в Нюрнберге в музее Kunstverein (2008), в музее современного искусства MoMA PS1 в Нью-Йорке и в музее современного искусства CAPC в Бордо (2007). Он принимал участие в биеннале в Сан-Паулу (2010), в биеннале в Стамбуле (2009), и в Берлинской биеннале (2008). В 2010 году Музей современного искусства в Любляне (Mala Galerija) посвятил его работам персональную выставку

«Незарегистрированный город 1», 2010 © Чжан Пенджи

Род. в 1977 году в Юэньянге (провинция Хунань), Китай / Живет и работает в Пекине

Фотография «Незарегистрированный город 1» относится к серии снимков, сделанных автором в покинутых зданиях, где он и воспроизвел – уже в виде руин – некоторые реальные города. Современный городской пейзаж постоянно изменяется – здания сносятся, чтобы уступить место другим постройкам, целые городские кварталы меняют свое назначение. Однако в этом таится реальная опасность, что вместе с уходом старого теряется чувство времени, истории, которым пропитана ткань городского пространства.

«Упакованное здание в Нижнем Манхэттене», 1985 © Христо Явачев

Род. в 1935 году в Габрово, Болгария / Живет и работает в Нью-Йорке, США

Упаковывая дома, мосты и даже береговые линии, Христо не только создает прекрасные произведения искусства, но и преобразует повседневную рутину в нечто странное и таинственное. Акт обертывания скрывает функции и особенности объектов. Это усиливает наше осознание чего-то невыявленного, отражая и ту сторону жизни, в которой мы живем, и ее связь с техникой сокрытия, «упаковки». Таким образом, наши привычные зрительные парадигмы оказываются под вопросом, знакомые вещи становятся настолько отчужденными, что мы начинаем видеть их другими глазами. Портфолио включает впечатляющую серию из пяти листов печатной графики, в которых демонстрируется эта концепция, а также дается набросок способа упаковки архитектурных памятников Нью-Йорка, Рима, Милана, Парижа и Кёльна.

«Упакованный Кёльнский собор», 1985 © Христо Явачев

Род. в 1935 году в Габрово, Болгария / Живет и работает в Нью-Йорке, США

Упаковывая дома, мосты и даже береговые линии, Христо не только создает прекрасные произведения искусства, но и преобразует повседневную рутину в нечто странное и таинственное. Акт обертывания скрывает функции и особенности объектов. Это усиливает наше осознание чего-то невыявленного, отражая и ту сторону жизни, в которой мы живем, и ее связь с техникой сокрытия, «упаковки». Таким образом, наши привычные зрительные парадигмы оказываются под вопросом, знакомые вещи становятся настолько отчужденными, что мы начинаем видеть их другими глазами. Портфолио включает впечатляющую серию из пяти листов печатной графики, в которых демонстрируется эта концепция, а также дается набросок способа упаковки архитектурных памятников Нью-Йорка, Рима, Милана, Парижа и Кёльна.

«S №2», 2005 © Беата Гутшоу

Род. в 1970 году в Майнце, Германия / Живет и работает в Кёльне

Работа «S № 2» является частью серии «S» (первая буква слова «Stadt» – «город»). Архитектура изображаемых объектов возвращает нас в эпоху утопий, подобно рисункам итальянского архитектора-футуриста Антонио Сант-Элиа с его Città Nuova – «новым городом» только что наступившего ХХ века. Вплоть до начала 1970-х градостроительная эйфория, охватившая планировщиков, предлагавших радикальные концепции расширения городских территорий, основывалась на умозрительном и технократическом видении мира. Однако в возведенных ими зданиях явно недостает пространства для нормального существования человека: гнетущая пустота словно пропитана неприветливостью и враждебностью, несовместимыми с человеческим бытием

«Отжившая форма», 2008-2010 © Давид Малькович

Род. в 1973 в Риеке, Югослваия / Живет и работает в Загребе, Хорватия

Работа «Отжившая форма» состоит из трех коллажей и скомпонована из кадров видео того же названия. В «Отжившей форме» художник заново разрабатывает и интегрирует образы памятников, имевших большое значение для хорватов, памятников, воздвигнутых в 1960-х и 1970-х годах и укоренившихся в народном сознании. Исходя из объективного факта существования этих сооружений на территории его родины, Малькович прослеживает изменения в оценке и значении этих памятников для разных поколений.

Персональные выставки художника прошли в Нюрнберге в музее Kunstverein (2008), в музее современного искусства MoMA PS1 в Нью-Йорке и в музее современного искусства CAPC в Бордо (2007). Он принимал участие в биеннале в Сан-Паулу (2010), в биеннале в Стамбуле (2009), и в Берлинской биеннале (2008). В 2010 году Музей современного искусства в Любляне (Mala Galerija) посвятил его работам персональную выставку

«Занавесы для ля Ротонда. Миланский проект», 1985 © Христо Явачев

Род. в 1935 году в Габрово, Болгария / Живет и работает в Нью-Йорке, США

Упаковывая дома, мосты и даже береговые линии, Христо не только создает прекрасные произведения искусства, но и преобразует повседневную рутину в нечто странное и таинственное. Акт обертывания скрывает функции и особенности объектов. Это усиливает наше осознание чего-то невыявленного, отражая и ту сторону жизни, в которой мы живем, и ее связь с техникой сокрытия, «упаковки». Таким образом, наши привычные зрительные парадигмы оказываются под вопросом, знакомые вещи становятся настолько отчужденными, что мы начинаем видеть их другими глазами. Портфолио включает впечатляющую серию из пяти листов печатной графики, в которых демонстрируется эта концепция, а также дается набросок способа упаковки архитектурных памятников Нью-Йорка, Рима, Милана, Парижа и Кёльна.

«Покинутые», 2010 © Стас Шурипа

Род. в 1971 году в Южно-Сахалинске, СССР / Живет и работает в Москве, Россия

«Покинутые» – таково название серии работ, выражающих отношение автора к проявлениям архитектурного модернизма в России во время необыкновенного строительного бума 1960-х годов. Дома и сооружения, которые, как предполагалось, должны были воплотить в жизнь всеобщую мечту о собственном доме, очень скоро показали свою полную непригодность для ее осуществления. Это и легло в основу выбора художником материала – различные архитектурные модели воспроизведены в виде бумажных конструкций; ведь бумага, столь привычный и широко распространенный материал, давно стала олицетворением недолговечности.

«Елисейские поля. Упакованные деревья», 1985 © Христо Явачев

Род. в 1935 году в Габрово, Болгария / Живет и работает в Нью-Йорке, США

Упаковывая дома, мосты и даже береговые линии, Христо не только создает прекрасные произведения искусства, но и преобразует повседневную рутину в нечто странное и таинственное. Акт обертывания скрывает функции и особенности объектов. Это усиливает наше осознание чего-то невыявленного, отражая и ту сторону жизни, в которой мы живем, и ее связь с техникой сокрытия, «упаковки». Таким образом, наши привычные зрительные парадигмы оказываются под вопросом, знакомые вещи становятся настолько отчужденными, что мы начинаем видеть их другими глазами. Портфолио включает впечатляющую серию из пяти листов печатной графики, в которых демонстрируется эта концепция, а также дается набросок способа упаковки архитектурных памятников Нью-Йорка, Рима, Милана, Парижа и Кёльна.

«Человек-бабочка – Лондон», 2010 © Питер Блейк

Род. в 1932 году в Дартфорде (графство Кент), Англия / Живет и работает в Чизвике (Лондон)

«Человек-бабочка – Лондон» – одна из последних его картин из серии, где пейзажи городов (художник уже обращался к Лос-Анджелесу и Венеции) претворены в выразительные ассоциативные сюжеты. Эти видения, рожденные фантазией и цепью сопоставлений, оживают благодаря включению в них собранных автором материалов: старых почтовых открыток, фотографий и детских книжек. Такое смешивание различных изобразительных и временных слоев создает восхитительные сцены, вызывающие массу ассоциаций и воспоминаний. Городской ландшафт здесь превращается в сюрреалистические фантомы, которые в то же время вызывают и ностальгические чувства.